Commode (Foto: The Metropolitan Museum of Art)
Charles Cressent (French, 1685–1768)

Luís XV

O estilo Luís XV designa um estilo de decoração de interiores e mobiliário que se desenvolve a partir de França durante o reinado de Luís XV, entre aproximadamente 1730 e 1750-60 (não englobando todo o período do reinado até 1774). Este estilo é influenciado pelas linhas fluidas e graciosas do rococó e pelo seu repertório de motivos ornamentais, situando-se entre o estilo regência, onde já dá os primeiros passos, e o estilo Luís XVI, que se caracteriza por uma maior rigidez e austeridade. É considerado um dos estilos estéticos franceses de maior impacto, sendo, por isso, alvo dos mais diversos revivalismos ao longo do tempo.

De um modo geral, a estética vai estar ao serviço da mentalidade da época, da busca dos prazeres do quotidiano e intimamente ligado à figura feminina, a sua maior inspiração e a autoridade em matéria de decoração na corte. Provavelmente a figura de maior destaque no impulso das artes decorativas é Madame de Pompadour, amante do rei, que o incentiva a promover a produção artística, como no caso da oficina de porcelana de Vincennes (mais tarde Sevres) de onde originam muitas das peças usadas neste estilo.



Commode (Foto: The Metropolitan Museum of Art)
André-Charles Boulle (French, 1642–1732)

Luís XV 
(Parte II)

Nos interiores, onde o salão se destaca como o espaço de eleição para estar em sociedade, o pé-direito reduz em altura e aplicam-se cores suaves e tons pasteis nas paredes. O mobiliário torna-se mais confortável pela redução para uma escala mais humana e as diferentes peças (agora de fácil transporte) espalham-se por todo o espaço, convidando ao relaxamento e à intimidade. O mobiliário, que agora não fica só encostado à parede, relegado para áreas de periferia, passa a ter um trabalho mais cuidado também nas faces traseiras que antes ficavam escondidas ao olhar. O acréscimo de riqueza no seio da burguesia introduz este estilo também nos interiores habitacionais da classe média.



Writing Table (Foto: The Metropolitan Museum of Art)
Gilles Joubert (French, 1689–1775)

Caracterização formal deste tipo de mobiliário:

- Estrutura escultórica de linhas leves e curvas sinuosas, assimetria, fluidez, movimento e elegância. Alta qualidade de execução, trabalho cuidado na decoração e atenção ao pormenor.
- Materiais: madeiras variadas (nogueira, faia, carvalho, pau-rosa, pau-roxo, pau-santo, pau-setim, amaranto), paineis de laca, placas de porcelana e mármore (para tampos), aplicação de bronzes.
- Pintura e laca: utilizam-se paineis de laca oriental (ou a imitação designada Verniz Martin). Principalmente as cadeiras são pintadas, empregando-se menos a madeira dourada que no estilo anterior.
- Elementos decorativos: fantasia de inspiração na natureza; desaparece a figura humana e animal em deterimento de motivos vegetais (flor com caule, de representação naturalista ou estilizada, sózinha, em ramos ou grinaldas, e folhagens retorcidas e enroladas); conchas, rochas, cristas de ondas (espuma); troféus (de música, etc); curvas em C e S; figuras geométricas; marqueteria de contornos sinuosos.
- Tipologias: Proliferam móveis pequenos e para diferentes fins.
* Cómodas (sem traves horizontais a separar as gavetas), toucadores, mesas com espelho (Poudreuse) etc;
* Secretárias com inúmeras gavetas e compartimentos secretos, como Bureau-plat, Bureau-abattant, Bureau dos d’âne, Bureau à cilindre, Bonheur-du-jour (secretária de senhora) etc;
* Mesas pequenas para escrever, jogar, costurar, etc;
* Assentos estofados de diversas tipologias de acordo com a função: Fauteuil à la reine, de espaldar direito; Fauteuil en cabriolet, de espladar côncavo; Fauteuil à coiffer, com espaldar curvo no topo para permitir apoiar o pescoço e facilitar o acto de pentear; Fauteuil cabinet, cadeira curva para secretária masculina; Marquise, para duas pessoas; Chauffeuse, para sentar frente à lareira;
* A partir dos lits de repos e canapés desenvolvem-se: chaise-longue, sopha, turquoise, duchesse (à bateau ou brisées), ottomane, paphose, veilleuse, etc.
- Nomes de destaque: Em geral o trabalho artesanal das corporações deste período é de grande qualidade. Surgem os menuisiers, marceneiros que desenvolvem trabalhos em madeira maciça, onde se destacam Avisse, Tilliard, Foliot, Gourdin, Dellanois e Cresson. Continua-se também a tradição dos ebénistes para trabalhos de folheado (folha de madeira) e marqueteria em madeiras exóticas, onde se destacam Dubois, R. V. La Croix, Migeon e Oeben. No trabalho em bronze destaca-se Jaques Caffieri e nos trabalhos de laca, as famílias Martin (Verniz Martin) e Chavalier.

 
 
 
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Gallery Views of Vermeer's
(The Milkmaid)



Johannes Vermeer

Foi um pintor holandês, que também é conhecido como Vermeer de Delft ou Johannes van der Meer. Vermeer viveu toda a sua vida na sua terra natal, onde está sepultado na Igreja Velha (Oude Kerk) de Delft. É o segundo pintor holandês mais famoso e importante do século XVII (um período que é conhecido por Idade de Ouro Holandesa, devido às espantosas conquistas culturais e artísticas do país nessa época), depois de Rembrandt. Os seus quadros são admirados pelas suas cores transparentes, composições inteligentes e brilhante com o uso da luz. Pouco se sabe da sua vida. Era filho de Reynier Jansz e Dingenum Baltens. Casou-se em 1653 com Catharina Bolenes e teve 15 filhos, dos quais morreram 4 em tenra idade. No mesmo ano juntou-se à guilda de pintores de Saint Lucas (São Lucas). Mais tarde, em 1662 e 1669, foi escolhido para presidir à guilda. Sabe-se que vivia com magros rendimentos como comerciante de arte, e não pela venda dos seus quadros. Por vezes até foi obrigado a pagar com quadros dívidas contraídas nas lojas de comida locais. Morreu muito pobre em 1675. A sua viúva teve de vender todos os quadros que ainda estavam na sua posse ao conselho municipal em troca de uma pequena pensão (uma fonte diz que foi só um quadro: a última obra de Vermeer, intitulada Clio

Depois da sua morte, Vermeer foi esquecido. Por vezes, os seus quadros foram vendidos com a assinatura de outro pintor para lhe aumentar o valor. Foi só muito recentemente que a grandeza de Vermeer foi reconhecida: em 1866, o historiador de arte Théophile Thoré (pseudónimo de W. Bürger) fez uma declaração nesse sentido, atribuindo 76 pinturas a Vermeer, número esse que foi em breve reduzido por outros estudiosos. No princípio do século XX havia muitos rumores de que ainda existiriam quadros de Vermeer por descobrir.
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The Age of Rembrandt
(Views of the Exhibition, parte I)



Rembrandt Harmenszoon van Rijn

Nasceu em 15 de julho de 1606 (tradicionalmente) mas provavelmente em 1607 em Leiden, Países Baixos. Fontes conflitantes afirmam que sua família era formada por 7, 9, ou 10 filhos. Seu pai era moleiro, e sua mãe, filha de um padeiro. Quando criança ele teve aulas de latim e foi matriculado na Universidade de Leiden, embora desde cedo demonstrasse inclinação para a pintura.

Pouco depois ele se tornou aprendiz do pintor histórico de Leiden, Jacob van Swanenburgh. Depois de um breve mas importante aprendizado com o famoso pintor Pieter Lastman em Amesterdão, Rembrandt abriu um estúdio em Leiden, dividindo-o com seu colega Jan Lievens. Em 1627, Rembrandt passou a aceitar alunos, entre eles Gerrit Dou.

Em 1629 Rembrandt foi descoberto pelo estadista e poeta Constantijn Huygens, pai de Christiaan Huygens (um famoso físico e matemático neerlandês), que conseguiu para Rembrandt importantes encomendas da corte de Hague. Como resultado desta conexão, o Príncipe Frederik Hendrik foi cliente de Rembrandt até 1646.

Em 1631, Rembrandt havia adquirido tal renome que recebia diversas encomendas de retratos em Amsterdan. Como conseqüência, ele se mudou para a casa de seu agente, Hendrick van Uylenburgh. Esta mudança eventualmente levaria, em 1634, ao casamento de Rembrandt com a prima de Hendricks, Saskia van Uylenburgh. Saskia vinha de uma família abastada (seu pai fora advogado e burgomestre de Leeuwarden). Quando Saskia, a filha caçula, se tornou órfã, passou a morar com sua irmã mais velha em Het Bildt. Saskia e Rembrandt se casaram na igreja local, sem a presença de seus parentes.
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The Age of Rembrandt
(Views of the Exhibition, parte II)



Rembrandt (Parte II)

Em 1639, Rembrandt e Saskia mudaram-se para uma casa maior em Jodenbreestraat, um quarteirão judeu. Era nesta casa que Rembrandt frequentemente contratava seus vizinhos judeus como modelo para suas cenas do Velho Testamento. Embora vivessem confortavelmente, o casal sofreu vários reveses; seu filho Rumbartus morreu com dois meses de idade em 1635. Uma filha, Cornelia, morreu com três semanas em 1638. Apenas o terceiro filho, Titus, nascido em 1641, sobreviveu até a idade adulta. Saskia faleceu em 1642, pouco depois do nascimento de Titus, provavelmente vítima de tuberculose. No final da década de 1640, Rembrandt passou a se envolver com Hendrickje Stoffels, inicialmente empregada de sua casa. Em 1654 eles tiveram uma filha, Cornelia, levando à excomunhão de Hendrickje da Igreja Protestante Holandesa por "viver em pecado". Rembrandt não foi intimado a comparecer ao julgamento, pois não era membro da igreja.

Rembrandt vivia além de suas posses, comprando várias obras de arte, gravuras e raridades, o que provavelmente levou à sua bancarrota em 1656. Posteriormente, ele foi forçado a vender a maioria de suas obras, além de sua casa e sua máquina de impressão, mudando-se para um local mais modesto em Rozengracht. Lá, Hendrickje e Titus abriram uma loja de arte para ganhar a vida. Em 1661 Rembrandt foi contratado para completar uma série de pinturas para o recém-construído prédio da prefeitura, mas só pelo fato do artista que havia sido contratado originalmente falecer antes de concluir o trabalho.Rembrandt sobreviveu a Hendrickje e Titus. Ele morreu pouco tempo depois de seu filho, em 4 de outubro de 1666 em Amesterdão, e foi sepultado em uma cova anônima em Westerkerk.

(Fonte dos textos: Wikipédia)